티모시 샬라메가 밥 딜런을 연기하기 위해 4년간 기타와 하모니카를 독학했다는 사실, 처음 들었을 때 저도 반신반의했습니다. 전설적인 아티스트의 전기 영화라면 대개 위인전 수준의 미화나 감동 코드에 기대기 마련인데, 이 영화는 그 공식을 꽤 다른 방향으로 비틉니다. 주말 저녁 방 안 불을 다 끄고 OTT로 틀었다가, 결국 엔딩 크레딧이 올라간 뒤에도 한참을 멍하니 앉아 있었습니다.
티모시 샬라메의 변신, 우려는 'Song to Woody' 한 곡으로 끝났다
솔직히 캐스팅 발표 때부터 걱정하는 목소리가 많았습니다. 티모시 샬라메라는 배우 자체는 누구도 의심하지 않지만, 밥 딜런이라는 인물은 단순한 연기 너머의 무언가를 요구하는 존재니까요. 그런데 영화 초반부, 그가 'Song to Woody'를 완창하는 장면에서 제가 느낀 건 단 하나였습니다. "아, 이건 진짜구나."
4년간의 연주 연습이 뒷받침된 결과라는 게 화면에서 그대로 느껴졌습니다. 단순한 성대모사(vocal mimicry)가 아니라는 점이 중요한데, 여기서 성대모사란 발성과 억양만 흉내 내는 표면적 기술을 의미합니다. 샬라메는 그걸 넘어서 밥 딜런 특유의 왜소하고 날카로운 지적 분위기, 즉 일부러 '멋있어 보이려' 하지 않는 태도까지 체화해 냈습니다. 제 경험상 이런 유형의 연기는 배우가 인물을 영웅화하려는 욕심을 내려놓을 때 비로소 가능합니다.
에드워드 노튼이 연기한 피트 시거와의 대립 구도도 인상적이었습니다. 피트 시거는 1960년대 미국 포크 운동(Folk Revival)의 상징적 인물로, 여기서 포크 운동이란 노동자 계층의 삶과 사회적 저항 정신을 어쿠스틱 사운드에 담아내려 했던 음악적·문화적 흐름을 말합니다. 노튼은 후배의 재능을 인정하면서도 음악적 신념에서 물러서지 않는 복합적인 인물을 과장 없이 그려냈고, 덕분에 두 사람 사이의 긴장감이 설교처럼 느껴지지 않았습니다. 이 장면들이 1960년대 초반 뉴욕 그리니치 빌리지의 클럽과 골목 풍경과 맞물리면서, 저는 화면 속 시공간이 실제로 존재했던 장소처럼 느껴졌습니다.
티모시 샬라메의 연기를 두고 "결국 샬라메가 샬라메 하는 것 아니냐"라고 보는 시각도 있는데, 저는 이번만큼은 그 의견에 동의하기 어렵습니다. 이 영화에서 그는 자신의 이미지를 소모하는 대신, 밥 딜런이라는 인물의 불안정하고 미완성된 면모를 정면으로 끌어안았습니다. 출처: IMDb, A Complete Unknown(2024)
- 4년간 기타·하모니카 연습 후 라이브 퍼포먼스 직접 소화
- 'Song to Woody' 완창 장면이 관객 의구심을 단번에 해소하는 전환점
- 밥 딜런을 영웅화하지 않고 불안정한 미완의 존재로 제시한 연기 태도
- 에드워드 노튼의 피트 시거 연기가 포크 운동의 무게감을 실감나게 전달
뉴포트 포크 페스티벌 클라이맥스, '반성장 영화'라는 역설
이 영화의 클라이맥스는 1965년 뉴포트 포크 페스티벌(Newport Folk Festival)입니다. 여기서 뉴포트 포크 페스티벌이란 1950년대 말부터 미국 로드아일랜드주에서 매년 열려 온 포크 음악의 성지 같은 행사로, 당시 포크 팬들에게는 일종의 '순수성의 제단'과도 같은 공간이었습니다. 밥 딜런이 그 무대에서 전기 기타를 들고 'Like a Rolling Stone'을 연주했을 때, 관중 일부가 야유를 보낸 것은 단순한 음악적 취향 차이가 아니었습니다.
저는 그 클라이맥스 장면에서 온몸에 소름이 돋았는데, 그 이유가 단순히 음악이 좋아서만은 아니었습니다. 포크계의 기대라는 집단적 신화와 그 구속에서 벗어나려는 한 예술가의 실존적 선택이 정면으로 충돌하는 순간이 화면에서 그대로 느껴졌기 때문입니다. 그것을 '변절'로 보는 시각도 있는데, 개인적으로는 그보다 자기 규정(self-definition)에 대한 거부에 가깝다고 봅니다. 자기 규정이란 타인이 부여한 정체성의 틀 안에 스스로를 가두는 것을 말하며, 밥 딜런은 그 틀을 반복적으로 깨는 방식으로 자신의 예술적 생존을 증명해 온 인물입니다.
제임스 맨골드 감독은 여기에 쿠바 미사일 위기라는 거시 역사를 극 중 개인 서사와 교차시키는 방식을 씁니다. 실비와의 관계가 끊어지는 장면과 미사일 위기 해소 시점이 겹치는 편집은, 시대정신과 사적인 인간관계 사이의 묘한 간극을 효과적으로 전달합니다. 다만 이 부분에서 서사의 호흡이 다소 느려진다고 느끼는 분들도 있는데, 저도 중반부 일부 구간에서 인물의 감정선을 따라가기 버거운 순간이 있었습니다. 의도된 구성이라는 건 알겠지만, 모든 관객이 동일하게 몰입하기는 어려울 수 있습니다.
이 영화는 성장 영화(Coming-of-Age Film)의 서사 구조, 즉 도착·관계·탈출이라는 3단계 틀을 의도적으로 차용하면서도, 실제로는 주인공이 진보하지 않는 반성장(Anti-Growth) 테마를 담고 있습니다. 반성장이란 주인공이 경험을 통해 성숙하거나 변화하는 대신, 오히려 기존의 정체성 틀 자체를 해체하는 방향으로 나아가는 서사 방식을 의미합니다. 이 형식과 메시지의 충돌 덕분에, 영화가 끝난 뒤에도 밥 딜런이 어느 한 지점에 완성된 인물로 느껴지지 않는다는 점이 이 영화의 가장 독특한 미덕입니다. 제가 직접 봤을 때 엔딩 이후에 뭔가 찜찜하면서도 계속 생각나는 이유가 바로 그 구조 때문이라고 정리됐습니다. 출처: Rotten Tomatoes, A Complete Unknown 평론 모음
자주 묻는 질문
Q. 티모시 샬라메가 영화에서 노래를 직접 불렀나요?
A. 네, 직접 불렀습니다. 4년간 기타와 하모니카를 연습한 결과로, 'Song to Woody'를 포함한 곡들을 라이브 퍼포먼스 방식으로 소화했습니다. 성대모사 수준이 아니라 밥 딜런 특유의 창법과 태도까지 체화한 결과물이라는 평가가 많은데, 저도 화면에서 직접 확인하고 나서야 그 말의 의미를 실감했습니다.
Q. 밥 딜런을 잘 모르는 사람도 재밌게 볼 수 있나요?
A. 사전 지식 없이도 충분히 볼 수 있다고 보는 분들도 있는데, 저는 조금 다르게 생각합니다. 1960년대 포크 운동의 맥락이나 뉴포트 포크 페스티벌의 상징성을 어느 정도 알고 보면 클라이맥스의 무게감이 훨씬 크게 다가옵니다. 코언 형제의 '인사이드 르윈'을 먼저 보고 오시는 걸 추천합니다.
Q. 영화 '아임 낫 데어'와 비교하면 어떤가요?
A. '아임 낫 데어'가 밥 딜런을 여러 배우로 파편화해 정체성 자체를 해체하는 실험적 형식을 택했다면, '컴플리트 언노운'은 1960년대 초반이라는 특정 시기에 집중해 좀 더 접근하기 쉬운 서사 구조를 가집니다. 두 영화가 추구하는 방향이 달라서 어느 쪽이 낫다고 단정하기 어렵고, 개인적으로는 순서대로 두 편을 연달아 보는 경험을 권하고 싶습니다.
Q. OTT에서 볼 수 있나요, 극장 관람이 더 나은가요?
A. 극장을 놓쳤다면 OTT로도 충분히 좋은 경험이 가능합니다. 저는 방 안 불을 끄고 봤는데, 1960년대 뉴욕 그리니치 빌리지의 분위기가 생각보다 깊게 살아났습니다. 다만 음악 영화인 만큼 사운드 환경이 중요하니, 헤드폰이나 스피커를 좋은 걸로 쓰는 걸 추천합니다.
결론
'컴플리트 언노운'은 전기 영화(Biopic)의 공식을 따르는 척하면서 결국 그 공식을 해체하는 영화입니다. 전기 영화란 실존 인물의 생애를 극적으로 재구성한 장르를 말하는데, 이 영화는 그 틀 안에서 밥 딜런을 완성된 아이콘이 아닌 끊임없이 변화하는 미완의 존재로 제시하는 데 성공합니다. 제 경우엔 영화를 다 보고 나서 밥 딜런의 음악을 다시 들었는데, 이전과는 전혀 다른 귀로 듣게 되더라고요.
'아임 낫 데어'와 '인사이드 르윈'을 함께 보는 경험을 추천하는 이유도 거기에 있습니다. 세 편이 각자의 방식으로 같은 시대와 인물을 조명하기 때문에, 연달아 감상하면 1960년대 미국 포크 신 전체가 입체적으로 그려집니다. 주말 저녁, 음악 영화가 주는 깊은 여운을 원한다면 이 조합을 진지하게 고려해보시길 바랍니다.
참고: https://www.youtube.com/watch?v=ohyn0xLx3Lc&list=PLUpgTv3bu9rHWFdteoNvZs5T5LSrG6j6j&index=33